Una visión muy personal de la psicodelia y del rock sinfónico, y de los grupos que lo hicieron posible.-
Por Juan A. Gutiérrez
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Pink Floyd. Sus comienzos y el impacto de “The dark side of the Moon”...
Todo tiene un por qué, una causa. Mi afición al rock sinfónico tuvo su origen, por decirlo de algún modo, en la primera audición del “The dark side of the moon”, de los Pink Floyd. Fue impactante y lo sigue siendo, por mucho que pase el tiempo…
Los Pink Floyd se apuntaron a la marea psicodélica que venía de California, por el 1966, gracias a la publicación de "Eight Miles High" de los californianos The Byrds y especialmente el álbum Revolver de sus coteáneos The Beatles. Tenían como letrista a un adepto a los psicotrópicos, Syd Barret, que también tocaba la guitarra. A Barret le llamaron Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright. No eran buenos instrumentistas, ni mucho menos virtuosos, pero, mientras grupos como Yes, Genesis o Emerson, Lake & Palmer trabajaban en un marco barroqueño y de melodías sublimes, los Floyd se quedaron en un eslabón más modesto de este aspecto, -salvo quizás en “Atom heart mother”-,para avanzar, y de qué manera!, en la parte técnica del sonido: fueron los precursores en el uso de sonidos diversos, muchos de ellos originales, extraídos del mundo que les rodeaba, y, sobre todo, mucha imaginación, tanto a la hora de elaborar el guión sonoro como en el tramo final de las mezclas. Les ayudaron, posiblemente, sus años de estudiantes de arquitectura y exhibían una imaginación con ganas de sorprender, de apabullar al oyente. Es otra de las máximas de la psicodelia, la magnificencia de los montajes, tanto de luz como de sonido. Barret era el motor fundamental en esta primera etapa de la banda; componía la mayoría de las letras, diseñaba las portadas de los LP’s, tomaba casi todas las decisiones y también mucho LSD. Su progresivo deterioro psíquico facilitó el cambio por David Gilmour (1947).
Primera formación de Pink Floyd: de izda. a derecha Richard Wright (1945), teclados; Roger Waters (1947), letras y bajo; Nick Mason (1945), batería y Syd Barret (1946), guitarra, letras y arreglos.
Pink Floyd es conocido principalmente por el estilo espacial de sus composiciones y por sus elaborados álbumes conceptuales de mediados de los años 1970, pero lo cierto es que comenzaron como una banda mucho más convencional. Sus primeros años, con Syd Barrett como director de orquesta, estaban teñidos de la psicodelia imperante en aquel momento (finales de los años 60), aunque comenzaba a mostrar algunas trazas de los que se acabaría convirtiendo en el rock espacial característico de la formación. El consumo masivo de drogas como el LSD por parte de Barrett provocó que sus composiciones oscilaran entre las clásicas melodías de pop como «Astronomy Domine» y la experimentación de temas más largos como «Interstellar Overdrive», hasta el límite de que The Piper at the Gates of Dawn (1967) fue considerado como uno de los mejores álbumes psicodélicos jamás publicados. Las letras de este trabajo, divertidas y humorísticas y a veces emulando viajes espaciales como metáforas del sentimiento psicodélico, contrastan con el sonido envolvente del teclado de Wright y con las melancólicas líneas de guitarra de Barrett, dando un sonido general a menudo caótico y confuso.
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Hoy en día, y gracias a la magnifica técnica de la compresión audiovisual de YouTube, podemos oír, con cierta dosis de calidad, los discos al completo. Si tenéis la suerte y claridad en elección del equipo, y me estoy refiriendo a un buen subwoofer y satélites acoplados a vuestro ordenador, podéis conseguir esto que es comento. En el caso de Pink Floyd, en YouTube podéis encontrar casi todos sus trabajos, con comentarios e información adicional de gran interés. Todo un lujo al alcance de aquellos que dispongan de una buena ADSL y de un buen equipo de sonido.
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Portada e interior del “The piper at the gates of dawn”, posiblemente el mejor álbum de rock psicodélico.-
Segunda formación de Pink Floyd: de izda. a derecha Richard Wright (1945), teclados; Roger Waters (1947), letras, voz y bajo; Nick Mason (1945), batería y David Gilmour (1947), guitarra y voz.
Con la publicación de A Saucerful of Secrets en 1968, el estilo de la banda dio un giro debido a la salida de Barrett de ella y a la entrada de David Gilmour. Definido como un álbum de transición, en él se mezclan las canciones psicodélicas semejantes a las firmadas por Barrett y piezas más experimentales, con influencias de la música clásica y que ayudaron a marcar el posterior sonido de Pink Floyd. En este álbum aparece la última canción compuesta por Barrett, «Jugband Blues». Los discos Music from the Film More, Ummagumma y Atom Heart Mother siguieron explorando los sonidos del rock espacial que llevarían a su máxima expresión con posteriores trabajos.
Portada e interior del “A sacerful of secrets”.
Poco después fueron llamados por el director Barbet Schroeder para componer la banda sonora de la película More, que se estrenaría en mayo de 1969. Sus composiciones se editaron dos meses más tarde como álbum de estudio de Pink Floyd, Music from the Film More, y consiguieron el noveno escalón en el Reino Unido y el 153º en los EE.UU. La crítica definió este disco como irregular y accidentado. Muchas pistas de "More" (como usualmente lo llaman los fans) son canciones acústicas de folk.
Portada del "More".
Después de la retirada de Barret pocos confiaban en la recuperación de Pink Floyd. Pero, como surgido de las cenizas, emergió Roger Waters, que cogió el timón de la nave y reorganizó la estrategia de conjunto, aprovechando la circunstancia para indagar en el medio y grabar temas para sus próximos trabajos, como “Ummagumma” (1969). En este doble LP se incluyen largas canciones en directo, una atmósfera etérea, hipnótica, espacial. Ejemplo de esto es el tema “Cuidado con el hacha, Eugene”, un tema “in crescendo”, en el que aparece la sospecha evidente de que algo a a ocurrir. Sin apenas tiempo para confirmar tal presentimiento, el auditor se siente sobrecogido por un grito desgarrador: el hacha, el grito, Eugene… Se huele la sangre, con un mínimo de imaginación…
Portada del doble LP “Ummagumma”.
“Ummagumma” hace de cabeza de puente para que los próximos trabajos, “Atom heart mother” (1970) y “Meddle” (1971) consigan el reconocimiento general e internacional y consoliden al grupo como uno de los punteros de los primeros años de la década de los 70. Se siguen a rajatabla todas las consignas de la moda. Todo monumental, a lo grande…
"Atom heart mother" es la primera grabación de la banda con una orquesta y da muestras más que evidentes de improvisación, hasta en el tema de la portada del disco. Aunque fue un trabajo más que reconocido a nivel internacional, Gilmour lo repudió de forma más que grosera, diciendo que "era un montón de basura", a lo que también se apuntó Waters, quien declaró que "no le importaba que lo tiraran a la basura y nadie volviera a escucharlo". A pesar de estas opiniones tan negativas, muchos aficionados al sonido PF reconocemos la valía de "Atom heart mother”, por el hecho de que es el único trabajo de la banda en donde dan cabida al sonido orquestal, una de las características fundamentales del rock sinfónico, aunque a posteriori varios componentes de Pink Floyd apuntaron lo nefasto de esta idea...
Portada e interior de la suite “Atom heart mother”.
En “Meddle” (1971) se observa la consolidación del sonido Pink Floyd. La canción «Echoes», de 23 minutos de duración, la cara B del disco, fue descrita por Waters como un «poema sónico» debido a sus constantes efectos de sonido, y está considerada como una de sus mejores piezas. Este álbum ya posee el estilo característico de la banda que llevaría a su máxima expresión en discos venideros, eliminando la orquesta que tanto protagonismo tuvo en "Atom Heart Mother". Meddle alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido, pero la falta de publicidad por parte de Capitol Records en los Estados Unidos hizo que en este país sólo alcanzase el 70º.
Portada del LP “Meddle”.
El siguiente trabajo de la banda fue "Obscured by Clouds" (1972), grabado en Francia, y que conformó la banda sonora de la película "El Valle" de Barbet Schroeder. La letra de la canción «Free Four» fue la primera referencia en una canción a la muerte del padre de Waters en la Segunda Guerra Mundial, un tema que se estableció como recurrente en posteriores trabajos. Estilísticamente, es un álbum ligeramente distinto a su antecesor, "Meddle", con canciones más cortas y con la reducción del uso de efectos sonoros para la creación de atmósferas, rozando en muchos casos el blues rock, el folk rock o el soft rock.
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Portada del "Obscured by Clouds".
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El impacto de "The dark side of the Moon"
Y, de pronto, la gran sorpresa! Todas las experiencias y triquiñuelas aprendidas en los últimos 6 años se vomitan, como si en ello les fuera la vida, en un espectacular y muy pop “The dark side of the Moon” (1973), con la estimable y fundamental aportación del ingeniero de sonido Alan Parsons. Son 12 canciones de un pop y un rock comercial de alto nivel, produciendo uno de los discos más vendidos de la historia del rock. Sonidos de un corazón latiendo, de un despertador, de explosiones, de gruñidos de una voz de color femenina, de un lunático… con un balance envidiable en las listas de las principales revistas de rock (300 semanas ininterrumpidas en el hit parade de Billboard, por poner un ejemplo!).
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Portada mítica del "The dark side of the Moon”, quizás una de las inconfundibles en la historia del rock. Diseñada por la empresa Hipgnosis, la elección por parte de los integrantes de Pink Floyd fue unánime en su momento...
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Interior del "The dark side of the Moon”, en su version original LP (1973).
Esta es la grabación completa del álbum, sin cortes, colgado en You Tube…
Lo aspectos más significativos de “The dark side of the Moon”, una obra maestra del rock sinfónico.-
* Se editó primeramente en los USA, el 17 de marzo de 1973, y una semana después en UK.
* El álbum está construido a partir de las ideas que Pink Floyd había explorado en sus conciertos y anteriores grabaciones, pero carece de los largos instrumentales que caracterizaban a los trabajos posteriores a la marcha en 1968 de su miembro fundador, principal compositor y letrista, Syd Barrett. La temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento y la enfermedad mental, tema este último inspirado en parte por el deterioro mental de Barrett.
* El álbum se desarrolló como parte de una futura gira de la banda, estrenándose en directo varios meses antes de que siquiera hubieran comenzado las grabaciones en el estudio. El nuevo material se fue refinando a medida que avanzaba la gira, y fue grabado en dos sesiones en 1972 y 1973 en los Abbey Road Studios de Londres. Pink Floyd usó algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, incluyendo grabaciones multipista y loops. En varias de las pistas se usaron sintetizadores analógicos, mientras que una serie de entrevistas con la banda y el equipo técnico aparecen a lo largo del álbum en forma de citas filosóficas. Alan Parsons fue el responsable de algunos de los aspectos sónicos más innovadores del álbum, incluyendo la interpretación no léxica de Clare Torry.
* The Dark Side of the Moon fue un éxito inmediato, llegando en Estados Unidos a lo más alto de la lista Billboard 200 durante una semana. Permaneció en las listas 803 semanas (más de 15 años), siendo así el álbum que más tiempo ha permanecido en listas de la historia. Con una estimación de ventas de 50 millones de copias, es el álbum más exitoso de Pink Floyd y uno de los más vendidos a nivel mundial de la historia. Ha sido remasterizado y reeditado en dos ocasiones, además de haber sido versionado por varias bandas. Del álbum se extrajeron dos sencillos: «Money» y «Us and Them». Además de su éxito comercial, podría decirse que The Dark Side of the Moon es el álbum más popular entre los seguidores y críticos, y aparece frecuentemente en las listas de mejores álbumes de todos los tiempos.
* The Dark Side of the Moon se construyó a partir de experimentos hechos por Pink Floyd en conciertos y en grabaciones previas, pero sin las extensas piezas instrumentales que, según el crítico David Fricke, se habían convertido en una característica de la banda desde la marcha del miembro fundador Syd Barrett en 1968. El guitarrista David Gilmour, el músico que reemplazó a Barrett, luego se refirió a estos instrumentales como «ese rollo enrevesado de la psicodelia». Gilmour y Waters citan al álbum Meddle de 1971 como un punto de inflexión hacia lo que después sería el siguiente álbum.
* Cada cara del álbum constituye una pieza continua de música. Las cinco pistas de cada cara reflejan varios estadios de la vida humana. El álbum comienza y acaba con latidos de corazón; explora la naturaleza de la experiencia del ser humano, y según Waters, «la empatía». «Speak to Me» y «Breathe» juntos hacen énfasis en los elementos mundanos y fútiles de la vida junto con la siempre presente amenaza de la locura y la importancia de vivir cada uno su propia vida: «No tengas miedo a querer». «On the Run», un instrumental guiado por sintetizadores, evoca el estrés y la ansiedad que provoca el transporte moderno, en particular el miedo de Wright a volar, llevando la trama de la canción a un aeropuerto. «Time» se adentra en el modo en el que el paso del tiempo puede controlar la vida de uno y ofrece una vehemente advertencia a quienes desperdician el tiempo agarrándose a los aspectos más mundanos de la vida. A esta canción le sigue el tema del retiro hacia la soledad y el refugio en la canción «Breathe (Reprise)». La primera parte del álbum termina con «The Great Gig in the Sky», una sentida metáfora sobre la muerte. Abriendo con el sonido de una caja registradora y el ruido de monedas, la primera pista de la cara B, «Money», se mofa de la avaricia y el consumismo, con una letra irónica y efectos de sonido relacionados con la riqueza. «Money» ha sido la pista de más éxito comercial del álbum y ha sido versionada por varias bandas desde entonces. «Us and Them» habla del etnocentrismo y del conflicto y del uso de dicotomías simples para describir las relaciones personales. Siguiendo un ritmo similar al de Breathe, pero más veloz y con un aura de funk, hace presencia «Any Colour You Like», un instrumental que, mediante sus melodías psicodélicas, ofrece cierta seguridad y alegría, logrando liberar las tensiones que dejó su tema antecesor. Seguido de este, realiza su introducción la canción «Brain Damage», que trata sobre la enfermedad mental resultante de poner la fama y el éxito por encima de las necesidades de uno mismo. En particular el verso «And if the band you're in starts playing different tunes» («y si la banda en la que estás comienza a tocar distintas melodías») refleja el estado mental del antiguo miembro de la banda Syd Barrett. El álbum acaba con «Eclipse», que propugna los conceptos de la alteridad y unidad, a la vez que fuerza al oyente a reconocer los rasgos comunes de los seres humanos.
* El álbum se grabó en los Estudios Abbey Road, en dos sesiones, entre mayo de 1972 y enero de 1973. A la banda se le asignó como jefe técnico a Alan Parsons, que ya había trabajado como asistente de grabación en “Atom Heart Mother”, y que había ganado experiencia como ingeniero de sonido en los álbumes de The Beatles “Abbey Road” y “Let It Be”. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo con las técnicas más sofisticadas de la época. El estudio era capaz de hacer mezclas de dieciséis pistas, cosa que ofrecía un gran nivel de flexibilidad, aunque la banda llegó a usar tantas pistas que para hacerlo posible se tuvieron que hacer segundas copias de las cintas.
Imagen actual del ingeniero de sonido Alan Parsons, el artífice fundamental del sonido desplegado en The dark side of the Moon.-
* A nivel instrumental, el álbum es conocido por los efectos de sonido metronómicos en la canción «Speak to Me», y los loops en la apertura de «Money». Nick Mason, responsable de la mayoría de los efectos de sonido usados en la discografía de Pink Floyd, recibió una inhabitual acreditación como único compositor de «Speak to Me». La pista sirve como introducción, compuesta a base de cross-fades (efecto utilizado para montar una pieza sobre otra, bajando el volumen de la primera a medida que se sube el de la segunda) realizados con elementos de otras piezas del álbum. Mason creó una primera versión en su casa, antes de completarlo en el estudio. Para aumentar la construcción del efecto, se sirvieron de un acorde de piano, grabado al revés, que da lugar a la introducción de «Breathe». Los efectos de sonido de «Money» se crearon empalmando las grabaciones caseras de monedas tintineantes de Waters, sonidos de papeles rotos, el sonido de una caja registradora y el ruido de una calculadora para crear un loop de 7 pulsaciones (después adaptado a cuatro pistas para crear un efecto de «walk around the room» [pasear por el recinto y escuchar todo de forma uniforme] en la versión cuadrafónica del álbum). En algunos momentos la experimentación sónica del álbum requirió que todos los ingenieros y miembros de la banda operasen los reguladores de sonido de la mesa de mezclas de forma simultánea para mezclar las complicadas grabaciones multipista de varias de las canciones (en particular «On the Run»).
* En los créditos del álbum aparece Clare Torry, una cantante de sesión y compositora, habitual en los estudios Abbey Road. Previamente había trabajado en material de música pop y en varios álbumes de versiones, y después de oír uno de esos álbumes Parsons la invitó al estudio para cantar en «The Great Gig in the Sky». Torry rechazó la oferta porque quería ver a Chuck Berry, que tocaba en el Hammersmith Odeon, aunque quedó en pasarse por allí el domingo siguiente. Los miembros de la banda le explicaron el concepto que había detrás del álbum, pero fueron incapaces de explicarle lo que debía hacer exactamente. Gilmour estaba a cargo de la sesión, y en unas pocas tomas breves, un domingo por la noche, improvisó una melodía sin letra para acompañar el emotivo solo de piano de Richard Wright. Inicialmente, Torry se sentía avergonzada por su exuberancia dentro de la cabina de grabación, y quiso disculparse ante la banda, para encontrarse después que estaban encantados con el resultado. Posteriormente, se editaron sus tomas para producir la versión que se usó en la pista. Se le pagaron £30 por su colaboración. En 2004, Torry demandó a EMI y Pink Floyd por regalías de composición, reclamando que coescribió «The Great Gig in the Sky» junto al teclista Richard Wright. Los tribunales de justicia del Reino Unido llegaron a la conclusión de que Torry estaba en lo correcto, aunque el acuerdo económico al que llegaron nunca llegó a salir a la luz pública. Todas las ediciones posteriores a 2005 de «The Great Gig in the Sky» acreditan la canción a Wright y a Torry.
* El álbum se publicó inicialmente en formato de vinilo con una carpeta desplegable diseñada por Hipgnosis y George Hardie, la cual mostraba un prisma refractando luz en su portada. El grupo Hipgnosis diseñó varias de las portadas de los álbumes previos de la banda, con resultados controvertidos; EMI no quedó satisfecha al ver las portadas de Atom Heart Mother y Obscured by Clouds, ya que esperaban diseños más tradicionales que incluyesen rótulos y palabras, pero los diseñadores Storm Thorgeson y Aubrey Powell pudieron ignorar las críticas, dado que la banda les contrataba. Para The Dark Side of the Moon, Richard Wright les pidió que le presentaran algo «más elegante, con más clase». El diseño del prisma se inspiró en una fotografía que Thorgeson había visto en una sesión de brainstorm (lluvia de ideas) a la que asistió con Powell. El diseño corrió a cargo de George Hardie, empleado de Hipgnosis. La compañía de arte le ofreció a los miembros de la banda a elegir entre un total de siete diseños, pero los cuatro coincidieron en que el diseño del prisma era de largo el mejor. El diseño del prisma representa tres elementos; la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de crear una portada más «sencilla y pulcra». El espectro de luz continúa por el desplegable antes de volver a unirse en otro prisma en la contraportada, una idea de Roger Waters. Añadido al poco tiempo, el diseño del desplegable también contiene la representación del latido de corazón empleado a lo largo del álbum, mientras que la idea de incluir otro prisma en la contraportada fue de Thorgeson, con el objetivo de facilitar la disposición del álbum en las tiendas de música. La banda de luz que emana del prisma en el álbum tiene seis colores, dejando fuera el índigo en comparación con la tradicional división del espectro en rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta. Un prisma normal mostraría un espectro continuo sin límites definidos entre un color y el siguiente.
* Dentro de la carpeta desplegable venían dos pósters, uno de ellos con fotografías de la banda en concierto con el texto PINK FLOYD roto y las piezas esparcidas, y el otro con una imagen de las Pirámides de Guiza tomada por Powell y Thorgeson con una película infrarroja. También incluía una hoja con pegatinas de las pirámides. VH1 posicionó la portada en el cuarto lugar de su lista de las mejores portadas de todos los tiempos en 2003, y en 2009 los seguidores de la emisora de radio británica Planet Rock lo votaron como la mejor de todos los tiempos.
Interior de la carpeta del LP del "The dark side of the Moon”, tomada con cámara de infrarrojos por los diseñadores de Hipgnosis. Tal como se ha apuntado, el diseño de la carpeta original del álbum fue todo un acierto y se trató con un mimo y una delicadeza precisa.
* El éxito del álbum trajo una riqueza previamente desconocida a los cuatro miembros de la banda; Richard Wright y Roger Waters se compraron grandes casas de campo, y Nick Mason se convirtió en coleccionista de coches de lujo. Además, parte de los beneficios se invirtieron en la producción de Monty Python and the Holy Grail.
Gracias a la producción, Alan Parsons ganó un Premio Grammy al «álbum con mejor ingeniería de sonido» en 1973, y pasó a tener su propia carrera como artista. Waters y Gilmour a menudo han menospreciado su contribución en el éxito del álbum, aunque Mason ha alabado su papel en el mismo. En 2003 Parsons reflexionó diciendo: «Creo que todos ellos creen que conseguí mantenerme el resto de mi carrera gracias a Dark Side of the Moon, cosa que tiene cierta parte de verdad. Pero de vez en cuando despierto, frustrado por el hecho de que han ganado incontables millones y mucha de la gente involucrada en el álbum no».
Para aquellos de vosotros que quieran conocer los entresijos y los detalles de la creación de “The dark side of the Moon”, aquí os dejo un video colgado en YouTube, un “Making of” muy interesante, con opiniones contrastadas de sus principales protagonistas, de críticos musicales, etc…
Próxima entrega:
Pink Floyd. Su obra después de “The dark side of the Moon”...
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Mahón, Dic. 2012
muchas gracias.
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